Códigos del Arte: Las Bodas de Caná de Paolo Verones

Las Bodas de Cana: El eje central de la composición es el Cristo, arriba los sirvientes cortando carne – posiblemente de cordero – nos anuncian y simbolizan su sacrificio.

 

Ulrike Figueroa  

 

 

Un día de verano en Venecia visitamos la Fundación Cini (en italiano chini) en la Isla de San Giorgio Maggiore. El espectacular complejo del ex-monasterio de San Giorgio es obra de Andrea Palladio, Baldassarre Longhena y Andrea Buora. Los monjes benedictinos que alguna vez habitaron aquí nunca pensaron que en su refractario colgaría una de las más impresionantes obras del arte renacentista italiano. 

 

En 1563 el lienzo de 6.77 x 9.94 metros llegó a la habitación en la que acompañaría a los monjes durante sus alimentos diarios por 235 años. Durante una campaña militar en 1797 el edificio, el lienzo y la República Veneciana cayeron en manos de Napoleón. Hoy la Fundación Cini ha restaurado el complejo, y restituido un facsímil de la famosa obra en el refractario. La original, gracias a Napoleón, se encuentra en el Museo del Louvre desde 1798. La imponente obra, en tamaño y calidad, podría pasar desapercibida al entrar a una sala en la que uno se concentra sobre la aclamada Mona Lisa. Sin embargo, Las Bodas de Caná de Veronese se mantiene como el cuadro más impresionante de las colecciones del Louvre.  

 

Cenacolo Palladiano: El refractario, en que comían los monjes, ahora con el facsímil de Las Bodas de Caná.

El enorme lienzo representa un pasaje bíblico relatado en el evangelio de Juan, en el que Jesucristo, su madre y algunos de sus discípulos son invitados a la celebración de una boda en Caná, Galilea. Hacia el final del festín cuando el vino empieza a terminarse, Jesús pide a los sirvientes llenar tinajas con agua y ofrecerlas al señor de la casa, quien encuentra que el agua ha sido convertida en vino. Este episodio relata su primer milagro y se considera precursor de la Eucaristía.  

 

Veronese pinta esta escena mezclando lo sagrado con lo profano. Al extremo izquierdo de la mesa se encuentran los novios, dejando el lugar central para la figura del Cristo y la Virgen. Los más de 130 personajes que realizó el artista se identifican con apóstoles, sirvientes, príncipes, nobleza veneciana, orientales con turbantes y más. La escena situada en una terraza que se abre a un cielo azul, hace alusión a las obras arquitectónicas de Palladio. Lo cosmopolita y las riquezas de Venecia se reflejan a través de las lujosas telas y las intrínsecas decoraciones de las copas y platos sobre la mesa. 

 

Al extremo izquierdo se encuentran los esposos, quienes están por recibir una copa de vino de un sirviente. Aquí vemos también a un enano con un loro, y podemos apreciar la variedad de personajes y nacionalidades que representó Veronese.

 

Al centro de la composición vemos al Cristo inmóvil mirándonos fijamente – casi como si no fuera parte del festejo -, arriba de Él se observa a varios sirvientes cortando carne, posiblemente de cordero, un símbolo del cuerpo de Cristo. Mientras que en la mesa se sirve membrillo, símbolo del matrimonio, como postre.  

Al extremo derecho se observa al catador de vino examinando el agua convertida en vino. Su ropaje es de los más detallados y lujosos de la obra.
La música que acompañaba el festejo, también recuerda de las tentaciones terrenales y el paso del tiempo.

En primer plano al centro observamos un grupo de músicos, que representan las tentaciones terrenales. Asimismo se ha discutido que el artista se autorretrató en el músico vestido de blanco, y que retrató a Tiziano vestido de rojo, a Tintoretto vestido de verde, y tocando la flauta a Jacopo Bassano. Todos artistas importantes del siglo XVI veneciano. 

 

Estando en Venecia, el Veronese liberó su maestría en lienzos con composiciones complicadas, ropajes esplendidos y colores luminosos, para los que tenía a su disposición los mejores pigmentos. En Las Bodas de Caná utilizó, entre otros, amarillos, rojos vivos y lapislázuli.

 

Los colores tienen un papel importante en la pintura, pues contribuyen a la individualización de cada figura.  

Parecería un poco atrevido de Veronese pintar una escena tan festiva y lujosa para el lugar en que se encontraba, el refractario benedictino. En realidad, parece que su finalidad era contrastar con la vida monástica y recordar a los monjes de las tentaciones terrenales. 

 

 

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GALERÍA MÓVIL EN LOS VAGONES DEL METRO  

La Línea 2  del Metro será desde este mes y hasta septiembre una galería móvil, ya que cuenta con un convoy intervenido con la obra del artista y activista social Keith Haring, quien es uno de los representantes de la generación pop de la década de los 80 y sus representaciones artísticas consisten en sencillos y coloridos dibujos de animales y figuras danzando. 

Los usuarios de este medio de transporte además, podrán disfrutar de 80 piezas de artistas contemporáneos como Philip Lorca DiCorcia, Tracey Emin, Robert Montgomery, Nicolás Paris, así como el colectivo Public Movement. 

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